Edición y extensión de vídeo en Seedance 2.5: guía de prompts

El hábito más caro del vídeo con IA es volver a tirar un clip que ya te gusta. La luz estaba bien, la interpretación aterrizó, el movimiento de cámara por fin se comportó —y entonces regeneras todo porque un prop es del color equivocado, o porque el plano termina tres segundos demasiado pronto. Cada re-tirada es un nuevo lanzamiento de dados contra todo lo que ya funcionaba.

La edición y la extensión de vídeo de Seedance 2.5 existen para romper ese hábito. Ambas están activas en el espacio de vídeo de OmniArt: elige Seedance 2.5, entrégale un vídeo que ya tienes y cambia una cosa dentro de él —o añade tiempo a cualquiera de sus extremos— en lugar de empezar de cero.

La disciplina detrás de ambas es la misma, y es inusualmente explícita. Nombra un master de edición. Acota el alcance de la edición con precisión. Deja por escrito lo que no debe cambiar. Y para las extensiones, describe el fotograma de frontera antes de describir nada nuevo. Si clavas esas cuatro piezas, el modelo deja de tratar tu prompt como una invitación a reinterpretar el plano.

Lo que se bloquea antes de que escribas nada

La edición y la extensión heredan ajustes del vídeo que subes, y esto sorprende a la gente la primera vez. No puedes elegir la relación de aspecto, y en edición tampoco puedes elegir la duración.

Dos consecuencias prácticas. Primera: si necesitas una relación de aspecto distinta, la edición no te la dará —eso es un trabajo de reencuadre, y el flujo de expansión de marco de vídeo lo cubre por separado. Segunda: un resultado editado que vuelve una fracción de segundo más largo o más corto que tu fuente es comportamiento esperado, normalmente por el manejo de fotogramas de transición, no una generación fallida. El contenido y el orden de eventos se mantienen en lo sustancial.

Parte 1: editar un vídeo que ya tienes

La edición cubre todo lo que cambia lo que ya está dentro del encuadre: sustituir un sujeto, cambiar un fondo, quitar una cama musical, limpiar un objeto suelto. Los patrones de abajo comparten una columna vertebral: declara el vídeo fuente como la única autoridad y luego acota el cambio hasta que el modelo no tenga dónde improvisar.

El patrón general de edición

Todo prompt de edición que merezca la pena tiene cinco bloques. Los dos primeros hacen el trabajo pesado: le dicen al modelo qué material es autoritativo y cuál es solo una muestra.

[Edit Goal]
Edit @Video 1. Within <the entire video or a specific time range>, <add, remove, replace, or adjust> <visual object, region, or audio category>.

[Source Video Role]
@Video 1 is the sole editing master. It defines <characters, scene, actions, composition, camera movement, occlusion relationships, audio, and event order>.

[Target Material Role]
@Image 1 or @Audio 1 defines <specified attributes of the target object or sound>.

[Edit Scope]
Modify only <object, region, time range, or audio category>.

[Content to Preserve]
Keep <visual content, motion, audio, and timing relationships that must not change> from @Video 1.

Ejemplo trabajado: un cambio de luz acotado en el tiempo sin otras consecuencias:

[Edit Goal]
Edit @Video 1. Only from 4-7 seconds, change the cool blue light on the right wall to warm orange light.

[Source Video Role]
@Video 1 is the sole editing master. It defines the character, room layout, actions, composition, camera movement, audio, and event order.

[Edit Scope]
Change only the light color on the right wall and the area it illuminates. Allow the character's skin tone to respond naturally to the environmental light.

[Content to Preserve]
Keep the character's identity, clothing, expression, position, motion, room structure, camera movement, dialogue, and ambience from @Video 1.

Fíjate en lo que hace ahí el alcance de la edición: concede un desbordamiento deliberado (el tono de piel reaccionando a la luz nueva) y rechaza todo lo demás. Nombrar el efecto colateral permitido es lo que evita que el modelo o lo ignore o lo use como licencia para reiluminar toda la habitación.

Sustitución de sujeto y herencia de la línea de tiempo

Cambiar un objeto es donde «único master de edición» se gana el sueldo. Una imagen de referencia del objeto de sustitución arrastra un fondo, una composición y una dirección de luz que no pediste, y el modelo importará todo con gusto si no se le dice lo contrario.

La sustitución de sujeto añade un quinto bloque, [Timeline Inheritance], que es la parte que la mayoría se salta y luego lamenta.

[Edit Goal]
Edit @Video 1. Replace only the yellow folding desk lamp with the white folding desk lamp in @Image 1.

[Source Video Role]
@Video 1 is the sole editing master. It defines the desk, books, hand movements, camera position, camera movement, occlusion relationships, and event order.

[Target Reference Role]
@Image 1 defines only the white folding desk lamp's appearance, structure, and material. Do not use the image's background, composition, or other objects.

[Edit Scope]
Keep exactly one white folding desk lamp throughout the video. Replace only the original yellow folding desk lamp. Do not modify the books, desk, hands, or background.

[Timeline Inheritance]
The white folding desk lamp inherits every appearance, lamp-arm rotation, hand occlusion, and exit of the original yellow folding desk lamp, including timing, path, and speed changes.
Except for the object or area explicitly modified above, keep all other people, props, scene content, camera movements, cuts, and event order from @Video 1 unchanged.

La herencia de la línea de tiempo es una sola frase que dice: el objeto nuevo aparece cuando aparecía el viejo, se mueve por donde se movía, se ocluye cuando se ocluía y se va cuando se iba —con el mismo timing, por la misma trayectoria, a la misma velocidad. Sin ella, las sustituciones tienden a aparecer tarde, a salirse de la trayectoria de movimiento original o a sobrevivir a un momento en el que el original salía.

Sustitución de fondo

La sustitución de fondo es la sustitución de sujeto al revés: la silueta es el límite, y todo lo que hay dentro de ella está protegido.

La regla que la hace funcionar es una lectura ajustada del trabajo de la imagen de referencia. @Image 1 aporta disposición espacial, materiales, profundidad de campo, color ambiente y dirección de la luz —y nada más. Dilo de forma explícita, incluido «do not use the people or foreground objects in the image».

[Edit Scope]
Modify only the background outside the subject's silhouette. Do not modify subject identity, facial features, hairstyle, clothing, expression, position, size, or motion.

[Timeline Inheritance]
Keep the character actions and occlusion relationships from @Video 1. Except for the object or area explicitly modified above, keep all other people, props, scene content, camera movements, cuts, and event order from @Video 1 unchanged.

Mantener las relaciones de oclusión en la lista de preservación importa más de lo que parece. Cuando una mano pasa delante de un cuerpo o una silla cruza al sujeto, el fondo nuevo tiene que respetar el mismo orden de profundidad; si no, el cambio se lee como un pegatina.

Edición de audio

Diálogo, idioma, voz, música de fondo y efectos de sonido se editan por separado entre sí y por separado de la imagen. La estructura no cambia: indica el hablante o la categoría de sonido, el cambio previsto y qué otros sonidos se quedan quietos.

Edit @Video 1. Remove only the original background music. Keep the character dialogue, lip sync, ambience, and action sound effects; preserve the visuals, camera treatment, and editing rhythm from @Video 1.

Edit @Video 1. Change <Presenter>'s spoken language to natural American English while preserving the dialogue content and speaking times. Keep all other character voices, background music, ambience, and visuals from @Video 1.

La eliminación de BGM es lo destacado aquí. Seedance 2.5 puede quitar la música de fondo y conservar la voz que habla y —la parte que normalmente se rompe en otras herramientas— preserva los subtítulos en pantalla y otros elementos visuales intactos mientras lo hace. Eso convierte «pista vocal limpia, imagen original intacta» en una sola generación en lugar de un viaje de ida y vuelta por una herramienta de audio.

Smart Edit, Edit with marks y Edit Video

Tres superficies relacionadas, una fórmula entre ellas:

El Smart Edit plano toma [Specific modification object/what] + [Action and change description] + [Effective time sequence]. La edición con anotaciones antepone un bloque más:

[Annotation tool and orientation] + [Specific modification object/what] + [Action and change description] + [Effective time sequence]

Las herramientas de anotación son cajas, líneas, flechas, texto y puntos de referencia de color, más un borrador. El bloque que la gente subescribe es la orientación: debes decir con qué herramienta dibujaste y si el modelo debe actuar dentro o fuera de ella. «Within the red box.» «The area the red arrow points to.» «To the left of the red line.» «At the landmark point.» Sin eso, una caja es ambigua: ¿proteger esto, o cambiar esto?

Verbos útiles a los que recurrir: «Edit the xx in the video», add, delete/remove, modify/replace/change to. Mantén el timing explícito en el mismo aliento, como en «modify everything entirely from 0 to 8 seconds».

Eliminación parcial y reencuadre de un plano

Dos capacidades que conviene conocer antes de decidir regenerar:

Eliminación parcial y borrado sin rastro. Pinta o encierra una región y quita lo que hay en ella. El modelo reconstruye el fondo según la lógica física y de iluminación en lugar de emborronar, así que el desorden en una esquina, un transeúnte suelto o un prop que ya no quieres es un arreglo local. También funciona en la otra dirección: la sustitución direccional de elementos coloca un elemento nuevo en la misma región con la perspectiva y la atmósfera del vídeo original ya aplicadas.

Modificación de la perspectiva espacial. Como el modelo lee relaciones espaciales 3D en la fuente, puedes reencuadrar un plano que ya tienes: cenital, contrapicado, primera persona, o «replace the multi-camera switching shots with a fixed frontal shot, and keep the characters and background unchanged». Las proporciones y la composición se mantienen coherentes a lo largo del cambio. Eso convierte una toma competente pero plana en una dirigida sin volver a tirar la interpretación.

Parte 2: extender un vídeo que ya tienes

La extensión es la otra mitad de no empezar de cero. Cualquier resultado de 30 segundos o menos se puede extender, y las extensiones se apilan: puedes seguir añadiendo al resultado, al estilo muñeca rusa, hasta 60 segundos de vídeo continuo. La relación de aspecto se queda bloqueada a la fuente, pero a diferencia de la edición, la duración es tuya para fijarla.

La regla de prompting cabe en una frase: alinea el fotograma de frontera antes de describir nada nuevo.

Extensión hacia delante

En una extensión hacia delante, el primer fotograma de la extensión continúa desde el último fotograma de la fuente. Así que describe primero el estado continuo de ese último fotograma y luego lo que ocurre a continuación.

@Video 1 is the source video to extend forward.

Extend @Video 1 forward. The first frame of the extended segment directly continues from the last frame of @Video 1. Maintain continuity in <subject pose and orientation>, <prop position>, <background and spatial relationships>, <camera position and composition>, <lighting>, and <motion direction>.

Then, <describe the new action, event, camera treatment, or audio to add>.

Throughout the extension, maintain continuity in <character identity and clothing>, <key props>, <background layout>, and <axis of action>.
Keep each subject as the same continuous instance throughout: do not duplicate or split it, and keep the person's appearance or the object's number of parts stable.

Rellenado:

@Video 1 is the source video to extend forward.

Extend @Video 1 forward. The first frame of the extended segment directly continues from the last frame of @Video 1. Maintain the same locked-off medium shot, the orange paper airplane's position and orientation, the classroom-window background, the afternoon lighting, and its movement toward the right side of the frame.

Then, the orange paper airplane continues gliding toward the right and exits the frame while the white curtain beside the window sways slightly. Keep the camera and classroom background in the state established by the source video's last frame.

Extensión hacia atrás

La extensión hacia atrás construye el segmento antes de tu fuente. Describe lo que ocurre primero y luego define el primer fotograma de la fuente como el estado final explícito del segmento nuevo.

Esa segunda mitad es la parte que falla cuando te la saltas. Escribir solo «then connect to the source video» deja al modelo dos formas de equivocarse: personajes o efectos que pertenecen a la fuente entran demasiado pronto en el segmento precedente, o la imagen sigue cambiando después de haber alcanzado ya el estado objetivo.

@Video 1 is the source video to extend backward.

Extend @Video 1 backward. Before the source video begins, show an empty establishing shot of the same glass greenhouse. Morning mist drifts slowly near the floor, the overhead shade rises gradually, and no people are present yet.

The last frame of the extended segment naturally connects to the first frame of @Video 1. Match the greenhouse's central aisle, planting tables on both sides, glass frame, soft morning light, and locked-off wide composition. At the end, the shade is fully raised, the aisle is empty, and the leaves still sway slightly.

Extensiones con materiales de referencia adicionales

Si llevas imágenes o audio a una extensión, define primero el rol de cada material y luego indica que el vídeo fuente controla la frontera. Los materiales nuevos pueden complementar personajes, props o audio; no deben anular el control del último fotograma (o del primero) de la fuente en la unión.

Para las extensiones hacia atrás en concreto, añade una línea más que nombre qué materiales deben aparecer solo después de que empiece el vídeo fuente:

@Image 1 defines <Curator>'s facial features.
@Image 2 defines <Curator>'s dark blue work jacket.
@Image 3 defines <Wooden Display Case>'s structure and material.
@Video 1 is the source video to extend backward.

Extend @Video 1 backward. Before the source video begins, <Curator> walks to the workbench, picks up the closed <Wooden Display Case>, and opens its lid.

The last frame of the extended segment naturally connects to the first frame of @Video 1: <Curator>'s pose and orientation, the case's position and state, and the other characters' positions. Match the camera position and composition, lighting, and motion direction of @Video 1's first frame.

<Materials that should appear only after the source video begins> must not appear early in the backward extension.

Nombrar los roles de los materiales es la misma habilidad que el modelo recompensa en todo; la guía de prompts con referencias de Seedance 2.5 profundiza en ese lado.

Vocabulario de extensión y frases de restricción

El modelo responde a términos concretos. Usa «forward extension», «backward extension» y «continuation» en lugar de describir la intención con tus propias palabras. Para una extensión de plano completo que deba sentirse como una sola toma continua, añade las frases de restricción de forma directa:

Require natural extension, smooth movement connection, prohibit rigid cutting of the shot, prohibit objects appearing out of thin air.

La extensión también desbloquea la dirección segmentada: deja al personaje correr diez segundos, confírmalo y luego instruye el salto en la siguiente extensión. Acciones complejas que fallan como una generación larga a menudo tienen éxito como un relevo de etapas confirmadas.

Empezar en OmniArt

Elige un clip que ya te guste y una sola cosa de él que esté mal. Abre el espacio de vídeo de OmniArt, selecciona Seedance 2.5, sube el clip y escribe los cinco bloques: objetivo de edición, rol del vídeo fuente, rol del material objetivo, alcance de la edición, contenido a preservar. Luego pasa el mismo clip por una extensión hacia delante de cinco segundos con el párrafo del fotograma de frontera escrito antes de la acción nueva.

Dos generaciones bastan para notar la diferencia entre editar y volver a tirar —y para ver por qué el bloque de «contenido a preservar» es el que de verdad salva la toma. Para el panorama más amplio de lo que cambió en este lanzamiento, consulta qué se ha lanzado en Seedance 2.5.

Los modelos de imagen, vídeo, audio y música conviven en el mismo espacio de trabajo con un solo saldo, así que un still de referencia, un pase de edición y una extensión son tres pasos en un solo sitio en lugar de tres herramientas. Empieza en el espacio de creación con un clip que casi tirabas.