Storyboards und Blockouts für Seedance 2.5: Einstellungen planen

Die meiste Video-Prompt-Arbeit ist ein Übersetzungsproblem. Sie haben eine Einstellung im Kopf, beschreiben sie in Worten, und das Modell rekonstruiert etwas Ähnliches. Storyboards und Blockouts in Seedance 2.5 sparen diesen Umweg: Sie übergeben dem Modell den Plan selbst – einen Ankerframe, ein Panelraster, eine graue 3D-Previsualisierung – und der Prompt muss nur noch sagen, welche Teile dieses Plans zu übernehmen und welche neu zu rendern sind.

Das ist der Preproduction-Workflow, und er richtet sich an Leute, die ohnehin in Einstellungen denken. Wenn Sie schon einmal ein vierteiliges Board auf eine Serviette gezeichnet, eine Kamerabewegung in Blender geblockt oder ein Anfangs- und Schlussbild gewählt haben, bevor Sie eine einzige Zeile Beschreibung schrieben, kann Seedance 2.5 dieses Artefakt direkt übernehmen. Seedance 2.5 ist im OmniArt-Video-Arbeitsbereich live, Sie können es also auswählen und mit Ihren eigenen Boards mitarbeiten.

Die eine Regel, die durch jede Technik unten läuft: Eine visuelle Referenz ist eine Anweisung und eine Ablenkung. Jede Vorlage hier sagt, was aus der Referenz zu übernehmen ist und was ausdrücklich zu ignorieren.

Eine Einstellung mit erstem und letztem Bild verankern

Sie müssen dafür nicht in einen eigenen Modus für erstes und letztes Bild wechseln. Im multimodalen Referenzmodus erklären Sie die Rollen direkt in den ersten Zeilen: @Image 1 ist der erste Frame, @Image 2 der letzte. Alles Weitere im Prompt beschreibt dann die durchgehende Aktion, die zwischen beiden verläuft.

Es gelten zwei Parameterregeln. Das Seitenverhältnis der Ausgabe wird an das erste Bild gebunden; separat einstellen können Sie es nicht. Die Dauer bleibt auf der Generierungsseite einstellbar. Geben Sie erstem und letztem Bild dasselbe Seitenverhältnis – abweichende Verhältnisse können den letzten Frame verzerren.

@Image 1 is the first frame. It defines the opening composition, subject position, pose, prop state, scene, and camera direction.
@Image 2 is the last frame. It defines the ending composition, subject position, pose, prop state, scene, and camera direction.
@Image 3 defines <Subject A>'s appearance, clothing, and material. Do not change the first-frame composition defined by @Image 1 or the last-frame composition defined by @Image 2.

<Subject A> completes <one continuous action or event>.
The video begins naturally from the first frame defined by @Image 1 and reaches the last frame defined by @Image 2 after the continuous action.
Between the first and last frames, maintain continuity in character identity, prop structure and ownership, scene layout, and camera direction.

Achten Sie auf den Aufbau der dritten Zeile. Zusätzliche Referenzen sind erlaubt, dürfen aber nur Eigenschaften ergänzen – ein Gesicht, einen Stoff, ein Logo, ein Wandmaterial. Sie dürfen die Ankerkompositionen niemals ersetzen, deshalb trägt jede von ihnen diese Einschränkung ausdrücklich mit.

Sequenzsteuerung über mehrere Keyframes

Wenn ein Ablauf mehr als zwei bedeutsame Zustände hat, befördern Sie den ganzen Satz zu Keyframes. Beginnen Sie mit „Verwende @Image 1 bis @Image N in dieser Reihenfolge als Keyframes“ und geben Sie jedem Bild den sichtbaren Endzustand einer Stufe.

Use @Image 1 through @Image 4 as keyframes in this order.

@Image 1 is the first frame. It shows an orange paper airplane resting on the left side of a classroom desk, pointed toward the right, in a locked-off medium shot.
@Image 2 defines the second keyframe: one hand lifts the same paper airplane from the desk without changing its direction.
@Image 3 defines the third keyframe: the airplane passes the window while the curtain moves slightly to the right.
@Image 4 is the last frame. It shows the airplane resting on the middle shelf of the bookcase on the right, still pointed toward the right.

The video passes through these states in order, using continuous action to transition naturally between stages.
Maintain continuity in subject identity, prop structure, scene layout, lighting, and axis of action throughout.

Zwei Dinge lohnen sich zu verinnerlichen. Getrennte Keyframe-Bilder werden besser ausgerichtet als dieselben Frames in einem gemeinsamen Raster – laden Sie sie einzeln hoch. Und Keyframes steuern Stufenreihenfolge und Schlüsselzustände, nicht jeden Frame dazwischen; die Bewegung interpoliert das Modell weiterhin selbst.

Storyboard-Raster

Ein Storyboard-Raster vermittelt Geschichte, Einstellungsreihenfolge und ungefähren Bildaufbau. Es ist keine Vorgabe für pixelgenaue Reproduktion. Halten Sie Boards bei höchstens 15 Feldern, zeichnen Sie saubere Strichzeichnungen oder Strichmännchen und reduzieren Sie Textbeschriftungen – die Felder sollen als Sequenz gelesen und nicht gerendert werden.

Weil ein Raster eine Zeichnung ist, ist der größte Fehlermodus das Durchschlagen des Stils. Nennen Sie die Leserichtung und sagen Sie dem Modell dann ausdrücklich, dass es weder den Strichzeichnungsstil noch die Textbeschriftungen noch die Platzhalterfiguren übernehmen soll.

@Image 1 provides a four-panel pottery-making storyboard for shot order and approximate composition. Read it left to right, top to bottom. Do not use the storyboard's line-art style, text labels, or placeholder characters.
@Image 2 defines <Ceramic Artist>'s face, short hair, and dark gray apron.
@Image 3 defines <Blue-Glazed Cup>'s proportions, glaze color, and curved handle.

Shot 1: a wide shot establishes a quiet pottery studio with <Ceramic Artist> seated at the wheel.
Shot 2: a side medium shot shows both hands shaping the rotating clay as the cup body takes form.
Shot 3: a close-up shows fingers refining the rim and handle joint.
Shot 4: a medium close-up shows the fired <Blue-Glazed Cup> placed on a wooden shelf as <Ceramic Artist> withdraws both hands.

Use a realistic documentary look. Retain the wheel's rotation, wet-clay friction, and studio ambience.

Die Launch-Dokumentation fasst denselben Prompt in vier Teilen, was bei einem langen Board eine nützliche Checkliste ist:

1. Was die Felder darstellen – sagen Sie, dass die Felder vollständige Einstellungen sind und nicht einzelne Figuren oder Szenen.
2. Hauptschauplatz und Besetzung – zitieren Sie die Referenzbilder und beschreiben Sie jede Figur, jedes Tier und jedes Objekt im Detail.
3. Beschreibung Einstellung für Einstellung – gehen Sie das Board Feld für Feld durch und steuern Sie Bildaufbau, Einstellungsgröße, Kamerabewegung und Aktion.
4. Globaler Inhalt – visueller Gesamtstil, Audio und verbotene Elemente.

Figuren an Referenzbilder zu binden ist dieselbe Disziplin wie in unserem Leitfaden zum Referenz-Prompting in Seedance 2.5 – ein Board sagt dem Modell wann, aber nur eine gebundene Referenz sagt ihm wer.

Blockout-Referenzen: die tiefste Steuerungsebene

Ein Blockout – eine graue 3D-Previsualisierung, in der Seedance-Dokumentation Weißmodell oder Clay Renderer genannt – ist der präziseste Plan, den Sie dem Modell übergeben können. Entscheiden Sie vor dem Schreiben des Prompts, welche der beiden Arten Sie vor sich haben, denn sie vererben Gegensätzliches.

ByteDance liefert ein Clay-Renderer-Plug-in für Maya und Blender aus, um solche Referenzen zu erzeugen, und die Launch-Notizen sind ehrlich über den aktuellen Stand: Grobe Granularität liefert bessere Ergebnisse als feine. Wenn Sie entscheiden, wo Sie Modellierzeit investieren, investieren Sie sie in sauberes Blocking statt in Details.

Grobe Blockouts liefern das dynamische Skelett

Ein grobes Blockout besteht aus Kugeln, Zylindern und Würfeln, die für Personen und Requisiten einstehen. Es steuert überhaupt kein Aussehen bei – seine Aufgabe ist rein zeitlich und räumlich: Bewegungspfade, Blocking, Auf- und Abgänge, Kamerapfad, Schnittpunkte, Lichtwechsel und Klangrhythmus.

Die entscheidende Zeile ist die Zuordnung. Jedes geometrische Objekt wird benannt und an sein finales Motiv gebunden, eines pro Zeile.

@Video 1 is a coarse blockout reference. It provides only the character's walking path, cart direction, locked-off camera, one push-in, and two cuts. Do not use its gray geometry or empty scene.
The tall cylinder in @Video 1 corresponds to <Guide>.
The rectangular block in @Video 1 corresponds to <Mobile Display Cart>.
@Image 1 defines <Guide>'s face, blue uniform, and name badge.
@Image 2 defines <Mobile Display Cart>'s white metal frame and clear cover.
@Image 3 defines the gallery's curved walls, gray floor, and overhead strip lights.

<Guide> pushes <Mobile Display Cart> along the curved wall, stops in front of the central display, and opens the clear cover.
Keep the walking path, subject blocking, push-in direction, and cut points from @Video 1.
Use a bright, realistic museum-documentary style. Retain footsteps, wheel sounds, and gallery ambience.

Feine Blockouts rendern ein fertiges Modell neu

Ein feines Blockout hat bereits vollständige Strukturen, Sie beschreiben also keine Bewegung mehr – Sie bestellen einen Render. Erhalten Sie Struktur, Aktion, räumliche Anordnung, Kameraposition, Kamerabewegung und Schnitte; ersetzen Sie Materialien, Farben, Figuren, Szene und Stil.

@Video 1 is a fine blockout reference. Preserve the kinetic sculpture's complete structure, three-ring rotation relationship, pedestal position, orbiting camera movement, and cuts. Do not use its original gray materials or empty background.
@Image 1 defines the outer ring's brushed-brass material.
@Image 2 defines the inner blades' translucent blue-glass material.
@Image 3 defines a contemporary gallery with white curved walls, a dark gray floor, and soft overhead lighting.

Re-render the ring structure from @Video 1 as a kinetic sculpture in brass and blue glass, and re-render the scene as a contemporary art gallery.
Keep the structure, rotation rhythm, orbiting camera movement, and cuts from @Video 1. Retain the low mechanical rotation sound and quiet interior ambience.

Ordnung zählt hier mehr als irgendwo sonst. Entfernen Sie Pfadlinien, Koordinatenachsen, Controller und Kamerafrusta aus dem Export – alles, was im Bild sichtbar ist, kann als reales Objekt gerendert werden.

Die Clay-Renderer-Formel

Die Launch-Dokumentation verdichtet den Prompt für grobe Blockouts auf fünf geordnete Blöcke. Sie bildet die Vorlage von oben direkt ab und gehört neben Ihre Exporteinstellungen:

[Reference statement] + [Correspondence mapping] + [Plot details] + [Scene processing] + [Overall conclusion]

• Referenzaussage – welche Aspekte aus dem Blockout-Video übernommen werden: Kamerabewegung, Aktion, Bewegungslinien, Lichtwechsel, Figurenpositionierung, Audio und Bildrhythmus.
• Zuordnung – welche geometrische Form zu welcher benannten Figur, Requisite oder welchem Szenenelement wird.
• Handlungsdetails – die Handlung in chronologischer Reihenfolge, inklusive Aktionen, Mimik, Dialog und Lichtwechseln.
• Szenenbearbeitung – der Hintergrund, entweder als reiner Text oder an ein Szenenreferenzbild gebunden.
• Gesamtfazit – globaler Stil, Konsistenzvorgaben und Umgang mit Audio.

Zwei Clips mit einem nahtlosen Übergang verbinden

Der nahtlose Übergang generiert den Brückeninhalt zwischen zwei unabhängigen Clips, ohne eine der beiden Quellen zu verändern. Ordnen Sie den Prompt so, wie es die Dokumentation tut: Video davor, Video danach, auslösende Aktion, Kamerabewegung, visuelle Transformation, Zielzustand, Audio.

Eine durchgearbeitete Brücke: Am Ende von @Video 1 nähert sich ein roter Regenschirm der Kamera, bis er das Bild füllt; die Kamera bewegt sich weiter nach vorn, während der runde Rand des Schirms zum Metallring eines Dachfensters wird und der rote Stoff zu weißem Tageslicht; die Bewegung mündet in die nach oben blickende Anfangskomposition von @Video 2, und Regen geht in Schritte über, die in einer Galerie nachhallen.

Ein-Klick-Video, in der richtigen Reihenfolge

Das Ein-Klick-Video setzt mehrere Bilder – wahlweise plus ein Stilreferenzvideo – zu einem fertigen Stück mit konsistentem Tempo und konsistenter Verpackung zusammen. „Mach aus diesen Materialien ein Video“ ist als Briefing zu wenig. Decken Sie sechs Punkte der Reihe nach ab: Materialrollen, Bildreihenfolge, Bewegungsmenge, Schnittstil, visuelle Behandlung, Audio.

Sagen Sie, ob die Bilder in der Upload-Reihenfolge, in einer vorgegebenen Reihenfolge oder in einer vom Modell thematisch gewählten Reihenfolge laufen. Wenn ein Referenzvideo nur für Rhythmus und Übergänge da ist, sagen Sie das und untersagen Sie seine Figurenidentitäten und Schauplätze. Halten Sie die Bewegung pro Bild moderat – langsame Fahrten und Parallaxe für Umgebungen, Blinzeln und kleine Gesten für Personen.

Emotionale Regie, die die Kamera sehen kann

Wörter wie „angespannt“, „warm“ oder „bedrückend“ geben eine Richtung vor, lassen die Darstellung aber offen. Verankern Sie sie mit zwei bis vier beobachtbaren Hinweisen: Augenbewegung, Anspannung der Brauen, Mundbewegung, Atmung, Blickrichtung, Handbewegung. Sie müssen nicht jedes Gesichtsdetail auflisten – für einen einzelnen emotionalen Beat schlagen ein paar klare Hinweise einen Absatz voller Adjektive.

The overall emotion shifts from <starting emotion> to <ending emotion>.
After <triggering event>, <subject> first shows <immediate observable reaction>.
Then, <eyes, brows, mouth, breathing, gaze, or hand movement> gradually <changes>.
Finally, <subject> expresses <target emotion> through <restrained or explicit outward behavior>.

Heben Sie sich mehrstufige, ereignisgesteuerte Strukturen für Szenen auf, in denen sich die Emotion tatsächlich mehrfach ändert.

Filmische Fachbegriffe, die tragen

Standardisierte Kamerasprache können Sie direkt in den Prompt schreiben.

Auch verbreitete Techniken funktionieren, aber jede hat einen Parameter, den das Modell nicht erraten kann:

Bei einem Nischenbegriff oder einem mit uneinheitlicher Branchenverwendung behalten Sie den Begriff bei und erklären ihn: Begriff, Zielmotiv, visuelle Änderung, Verhältnis von Vorder- und Hintergrund, Richtung oder Geschwindigkeit. Zum Beispiel: „Rack focus: shift focus smoothly from the leaves in the foreground to the person in the background; the leaves gradually blur while the face changes from soft to sharp.“ Unser Leitfaden für filmische KI-Video-Prompts behandelt dasselbe Vokabular für die übrigen Videomodelle von OmniArt.

Einstieg auf OmniArt

Nehmen Sie den kleinsten Plan, den Sie schon haben – zwei Frames, ein vierteiliges Board oder einen zehnsekündigen Blocking-Durchgang – und öffnen Sie den Video-Arbeitsbereich mit ausgewähltem Seedance 2.5. Laden Sie den Plan hoch und schreiben Sie dann einen Prompt, der drei Aufgaben erfüllt: jedem Material eine Rolle zuweisen, benennen, was übernommen wird, und benennen, was ignoriert wird. Generieren Sie, vergleichen Sie das Ergebnis Feld für Feld mit Ihrem Board und schärfen Sie nur die Zeile nach, die danebenlag.

Von dort aus skalieren Sie dieselbe Gewohnheit: Befördern Sie einen Zwei-Frame-Anker zu einer Keyframe-Sequenz, ein Board zu einem groben Blockout, und verwenden Sie Ihre Zuordnungen zwischen Projekten wieder. Den vollständigen Überblick über die Änderungen in diesem Release finden Sie in Seedance 2.5: alle neuen Funktionen.